林菀依如今才刚刚成年，付出比老一辈歌手更多的辛苦，既合情合理，也势在必行。

她跟泰勒合唱的这首歌叫做《一路生花》，这首歌表达了为了实现梦想，年轻人不怕风浪的励志歌曲。

歌曲里希望人们许下的所有愿望都能开出美丽的花朵，不仅能帮助自己抵御风沙，还能帮助雨中的人们避雨。

歌曲中的青春和动力的感觉就能感动很多人，它唱出了年轻人的激情和梦想。

他们勇敢，热情，勇敢，为自己的梦想努力，帮助别人。

演唱者温柔的声音也让这首励志歌曲更加温暖，让人感受到了青春的气息。

原版在后世各个网站都有很高的人气，不仅仅是因为它的旋律好听，更是因为它的歌词里传达的乐观精神是当代很多年轻人所缺乏的。

而两个人的合唱版是基于原唱基础上的再升级，不仅加入了两种不同音色交相辉映的化学反应效果，让其多出了无与伦比的层次感，还特意加入了一段高八度的和‏​​‎​‏‎‏‏‎‎​‏‏‎‎声效果。

可以说这首歌的层次感是编曲以及和声编排的结果，林菀依在这首歌当中的角色是主和声，这个版本的和声能产生让人百听不厌的效果。

因为整首歌曲的主音程，特别是副歌段的主音程是由泰勒撑起来的，她的声音特点就是高亢。

在当今世界范围内的流行乐坛当中，论流行唱法音色的穿透力，没有多少歌手是能够比得过她的，这个是毋庸置疑的。

因此在这么强有力具有穿透性的唱法下，林菀依的音色变化便注定了绝对不能跟泰勒进行硬碰硬。

否则以两人都为高亢尖细的音色的话，是很容易陷入女声合唱的恶魔地狱——同质化当中。

当一首歌的合唱两人陷入同质化的陷阱当中，整首歌的层次就会做得一塌糊涂，即使是再强的编曲也无法挽救回来。

这种设计，就有意识地规避了两人声音当中的同质特点，转用和声进行层次感的穿插和堆叠。

并且这种使用不同发声方式以及和声编排，来规避两人的同质化特点，手段极其的高级，也是现代音乐中少见的曲风设计。

比如在第一段，选择无鼓点，几乎是让歌手清唱的方式，主音程只有一把键盘和吉他。

然后到了副歌，加入另一副钢琴，以及空间感很强的电鼓推进，让整个第一段显得更为空旷，轻盈无比。

再在间奏加入整个乐队编，跟第一段的歌曲就显得对比度很强，是在通过乐器的增减进行层次感的构造。

在整个第二段当中，乐队编一直是不缺席的，直到林菀依和泰勒的吟唱段结束之后，掐断所有乐器，只剩下陶笛声音。

在陶笛的段落过后，再直接上整个乐队编，这样整首歌的“弱-强-弱-强-弱”的层次感就出来了。

而且三段落编曲使用不同的乐器音色，便让三段的层次感显得更为强烈。

两个人的嗓音搭配效果，很像绕着中心荡漾出去的水波，是一种复合、立体，

具有水的波动形态和风的自由呼吸，又不失坚韧金属内芯的奇妙存在。

林菀依的和声在为整首歌曲服务的目标下，也呈现出来这样的效果。

当围绕着泰勒的主音去和音时，她轻拢慢捻抹复挑，以声音为氛围氤氲渲染，并作为介质扯动那平静湖面上的空气和情感暗流。

在有限的表现空间内，使整首歌的听感和情绪带入产生高低位差和浑然天成的“呼吸感、流动性”，因而使歌曲有了看似简单实则扎根深厚的波伏。

这扯动的力量虽温柔甚至无形，却势不可当。

再平淡的曲调，在刘清山这样有意无意营造的小节律中也变得有滋有味了，合作对象和听众只要跟着这节律“冲浪”，就会非常的舒服。

加之泰勒bug级别的音色，江关莺语花底滑，大珠小珠落玉盘般动听，本身就很具有可欣赏了。

因此这等级别的和音编排是无往不利的，碰上同样善于配合或者善于被配合的声音，就容易出高质量的神级舞‏​​‎​‏‎‏‏‎‎​‏‏‎‎台效果。

所以经过长时间录制下来的版本里，林菀依的深情演唱为这首歌注入情感和意义。

泰勒的音色亮而有力，有点像电音，却不失变化，令其强大的气声唱法，营造出一种声音蔓延开来的磅礴感觉。

两种声音搭配，扩大了声音的体积感和层次感。

如果用香水比喻，林菀依的声音构成清新的前调和温和的基调，泰勒的声音构成令人愉悦的，明亮的中调。

两人天使般的嗓音和“微笑式”唱法，让这个录音现场有了一种婚礼般的沉浸感，仪式感和幸福感。

再加上很有画面感的歌词，落霞如虹彩，斑斓渐变，有着如絮的柔软与轻盈。

其中充盈的是少年憧憬，半是期待半迷茫；少年向往，气势夺人不妥协；少年有梦，自由热烈永激荡。

我希望许过的愿望一路生花

将那雨中的人藏在屋檐下

岁月在冲刷逆流沧桑的喧哗

安静的夜晚你在想谁吗

我希望许过的愿望一路生花

护送那时的梦抵挡过风沙

指尖的樱花如诗写谁的韶华

疯狂的热爱夹带着文雅

尤其是副歌部分的旋律实在太好听了，更在和声唱段里，有意通过调整唱词长短及语气的轻重变化来错开音高共振，不说万分完美，但听感上令人舒适无疑，非常佩服二位的专业能力！

便是见识过无数经典的孙南，都对她们的演唱大加赞赏，并对刘清山的“创作”能力大唱颂歌。

他的态度其实还是挺真实的，因为他手里正我这另一首歌，这首叫做《起风了》的歌曲。

这首歌同样具有着超越了年代感的更新潮理念，脱离了传统以上的流行乐的一些固有创作套路，行程了独属于刘清山的一种音乐风格，那就是配器的新颖和曲风的共鸣品质。

更让他感到开心的是，这首歌虽然打着他跟刘清山合唱的幌子，实际是是以他为主的独

唱效果。

刘清山顶多在某些段落加了些和音，显然他是有意让这首歌成为孙南另一首代表作的打算。

这么多年，孙南的嗓音一直没有变化，还是那种音色鲜明的男高音。

这一点也是刘清山最感自愧不如的地方，这种音色很特别，是一种基于咽音唱法和他的共鸣。

当然了，他的这种声音的风格也不是独一无二的，很多藏族的民歌手，尤其是老一辈的藏族民歌手，他们的歌声里都有很大比例的咽音成分。

在历史上很长一段时间里，这种又高又硬的声音，简直就是藏族民歌的一个代言词。

但现代音乐乐坛因为有了孙南而诞生了孙式唱腔，它的发声原理，是靠气息带动鼻腔靠上的位置而非鼻腔快速振动而发出的声音。

咽音唱法和关闭唱法，这两个说法，其实都是来自于意大利美声唱法。

但是这两个方法本身，并不是美声唱法独创的，实际上从古至今，那些厉害的、擅长高音的歌‏​​‎​‏‎‏‏‎‎​‏‏‎‎手往往先天，或是通过后天的练习，学会了这些唱法。

这两种唱法获得高音的秘密，在原理上有一个相同点，那就是缩小声带的震动面积。

会弹吉他的朋友都知道，想在一根弦上发出更高的音，有两个办法，一个把琴弦拉得更紧，一个是缩短琴弦的震动部分的长度，即在品格上按住琴弦。

声带也是一样。

普通人唱高音，靠拉紧声带，这样越高就越吃力，而且很容易就达到极限了，脸红脖子粗，听着也难受，就如同我们拼命绷紧吉他上的琴弦。

但是歌唱的高手们，他们会缩小震动的面积，音越高振动面积就越小。

就如同我们弹吉他的时候，一格一格地按上去，音越来越高，但是张力的变化并不大。

孙南就是最典型的代表之一，他的咽音唱法，是通过控制咽腔变化，调整气流粗细，较细的气流冲击声带，就会引起较小的振动面积，音就越高。

这种方法最巧妙之处在于，它运用了一个物理学的原理，叫做贝诺利氏原理，孙南的声音里面，就是有很大的咽音的成分在。

这股气流对于声带的冲击并不会把声带吹开，反而使我们的两片声带相互靠近。

因而孙南的这种演唱技巧，是强大如刘清山都没有掌握到手的东西。

因为咽音的特点是，高音省力，久唱不累，越唱越亮，较于关闭唱法掌握难度低。

但是缺点也是明显的，声音不够亲切自然，缺乏变化，太硬，声音的表情不够丰富。。

所以这首歌，他就会帮孙南和音出来一种旋律变化，好让略显直白的极致高音部分多一些情感起伏，这样打造出来的歌，才具有成为隽永名曲的可能。

这是由于孙南的声乐技巧的原因，让他的声音虽然高和亮，但是比较硬，比较直白，缺乏变化和多样的色彩。

也就造成了他适合诠释的是激昂的大歌，以及撕心裂肺的呐喊，最好飙到high C以上那种。